Para los que hayáis leído las clases que di el año pasado en San Fernando, os puedo decir que este curso tiene ejercicios parecidos a los del año pasado, pero lleva un ritmo distinto. Los alumnos de San Fernando venían a pasar el rato dibujando y divirtiéndose, y teníamos sólo una hora de clase; mientras que los alumnos de la academia tienen un gran interés por mejorar su dibujo, algunos vienen con un nivel bastante alto y tenemos clases de dos horas. La esencia del taller sigue siendo la de dar herramientas para que los alumnos desarrollen su propio estilo de cómic y dibujen sus propias historias; pero aquí avanzamos bastante más rápido. Tampoco faltan las risas y el buen humor en clase, sobre todo, en el taller de los adultos... Me gustaría enseñarles más, soltar alguna frase fruto de mi experiencia como artista (p.ej. "el dibujo está en los ojos"); pero la mayoría de las veces acabo contándoles batallitas personales más o menos relacionadas con el arte. U^_^ He confirmado que me encanta contar historias.
Tenéis un resumen de la primera clase en la entrada anterior, El otoño llega a Zaragoza. He añadido algunas imágenes de los ejercicios. Vamos pues con la segunda clase!
Segunda clase: dibujar el cuerpo, tipos de plano
Como teníamos dos horas, decidí dividir la clase en dos y dedicar la primera hora a las técnicas de dibujo y la segunda a las de narrativa. Mis alumnos me habían expresado sus ganas de aprender a dibujar figuras humanas de imaginación, ya que hasta entonces habían estado copiando. Así que, en esta clase, atacamos el dibujo de figura humana de lleno con unos dibujos del natural. ¿Y os podéis imaginar a quién le tocó posar? A una servidora... hicimos poses de 3 minutos (no podía aguantar más) y la verdad es que salieron bastante bien. Les había pedido que me hicieran un simple boceto, en el que encajaran el cuerpo y cogieran esquemáticamente la postura. Ni los jóvenes ni los adultos habían hecho esto antes, pero se defendieron bastante bien. No puedo mostrar los apuntes por derechos de autor, pero os cuelgo una hoja de proporciones que me llevé a clase para explicar los distintos cánones que se usan en el cómic.
Imagen tomada de Cómo dibujar manga, de Norma Editorial
La segunda parte de la clase la dedicamos a los tipos de plano y ángulo de cámara. Podéis encontrar una explicación detallada en esta entrada del año pasado. A grandes rasgos, es esto: una de las decisiones que tomamos cuando dibujamos una viñeta de cómic es cómo vamos a encuadrar la imagen y dónde vamos a situar la cámara (es decir, al espectador con respecto a los personajes).
En los tipos de plano, tenemos de los más lejano (plano general) a lo más cercano (plano detalle). Entre ellos hay una gran variedad de planos: el plano americano (por encima de las rodillas), el plano medio (por encima de la cintura), el primer plano o plano corto (busto) y el primerísimo primer plano (se ve la cara cortada por la barbilla y la frente). Los planos largos sirven para mostrar el escenario y la postura y la distancia de los cuerpos; mientras que los planos cortos enfatizan las acciones y las emociones del personaje. A mí me gusta explicarlo como que, cuanto más cerrado es el plano, más cercano te sientes al personaje, como si al ver un plano corto, estuvieras realmente cara a cara con él. Los planos generales se suelen utilizar al principio de una escena para mostrar el escenario (plano de situación) y los planos cortos se suelen usar para conversaciones y momentos dramáticos; aunque también se puede meter un plano general en un momento dramático para enfatizar la fragilidad y pequeñez de los personajes o se puede describir un escenario mediante una serie de planos detalle.
Otro asunto a tratar es dónde colocamos la cámara. Ah! No os extrañe que hable con términos cinematográficos, porque fue en clase de audiovisuales donde aprendí a usar los tipos de planos y el ángulo de la cámara. El cómic, al fin y al cabo, se parece en algunos aspectos a una película, por lo menos, a su storyboard. Los tipos de ángulo van a hacer que veamos a los personajes débiles o poderosos (la vista es poder!). Cuando miramos a alguien a la altura de los ojos, está a nuestra altura, es nuestro igual. En cambio, cuando lo miramos desde arriba (en picado), parece más débil, como si fuera un niño pequeño. Cuando somos nosotros los pequeñitos y tenemos que levantar la vista para mirar al personaje (contrapicado), parece poderoso. Recuerdo un vídeo de un presidente sudamericano que estaba grabado en un ligero contrapicado para engrandecer al señor en cuestión. Esas tres vistas son las más habituales, pero también existen estas otras: vista de pájaro o "cenital", desde el suelo o "nadir" y el ángulo aberrante (en el que el horizonte está inclinado, viene bien para escenas de acción y dramatismo).
Una vez más, el ejemplo fue Ranma, concretamente, una maravillosa página en la que Ranma lucha contra Kuno. Rumiko Takahashi utiliza sabiamente los tipos de plano y el ángulo de la cámara para enfatizar la acción:
páginas de Ranma 1/2, tomo 1, Rumiko Takahashi
Podéis leerlo en inglés en Mangafox
Una tira sobre un hombre que habla de la que fue "la mujer de su vida"... hasta que conoció a otra.
Una tira sobre dos solitarios que se conocen a través del móvil (a quién se parecen?)
Tercera clase: dibujar manos, tipos de composición
En la tercera clase volví a repetir el esquema de hacer media clase de dibujo y otra media de narrativa. Una de las cosas que más ansiedad les daba a los chicos era el dibujo de manos... de hecho, el caso más cantoso era el de Ángela, porque ella dibujaba chicas manga sin manos, o les ponía manos en forma de bola, y le estuve tomando el pelo con que se iba a tener que dedicar a hacer cómics de amputados :D así es, las manos son una de las cosas más difíciles de dibujar, pero también son una parte del cuerpo muy importante a la hora de expresar el gesto de un personaje, y no podemos permitir que nos limiten. Así que manos a la obra!
Estuve pensando en una manera original de enseñarles a dibujar manos, ya que algunos de ellos ya habían hecho los típicos dibujos académicos de manual de dibujo (Marcos lleva varios años en la academia y Daniel está terminando el bachillerato artístico). Esos dibujos siempre me han parecido muy aburridos (aunque necesarios). Opté por recomendarles que dibujaran muchas manos en su tiempo libre, ya fuera tomando sus propias manos de modelo o las de otras personas; y en clase nos dedicamos a hacer algo más divertido.
Mira quién viene por ahí corriendo! Es Ofelia, de Mortadelo y Filemón! Pero... está amputada! No puede ser!!!
Efectivamente, el primer ejercicio consistió en devolverle los brazos a Ofelia, a partir de una serie de poses, los alumnos tuvieron que imaginar qué tipo de gesto podía estar haciendo y dibujar las manos y los brazos. Lo importante de estas manos era la expresividad: las manos de Ofelia, como las del resto de personajes de Ibáñez, son bastante grotescas, morcillonas, y muchas veces tienen poses antinaturales con el fin de exagerar el gesto. Estos fueron los resultados!
Dibujos de una servidora, con respeto a Ibáñez
Es increíble cuánto juego da Ofelia, ¿verdad? ¿Tenéis ganas de ver los dibujos originales? Aquí están:
Bien, después de trabajar el gesto con Ofelia, pasamos a un personaje más femenino: las chicas de Ranma!
Creo que se nota que me encanta Rumiko Takahashi, y sobre todo, su serie Ranma 1/2. Aprovecho para decir que le escribí una reseña el año pasado (cómo pasa el tiempo!). Volviendo al ejercicio, en este caso era más difícil dibujar las manos del personaje, porque no podían ser unas manos cualquiera, tenían que ser finas y delicadas y tener un gesto femenino. Los resultados fueron bastante majos:
mis dibujos
Ahora sí, os dejo con las manos originales de Ranma.
En la segunda parte de la clase estuvimos viendo algunos ejemplos de composiciones de página. La composición y el flujo de lectura son otra de las decisiones importantes que tenemos que tomar a la hora de diseñar una página de cómic. Hay que tener en cuenta que leemos de izquierda a derecha y de arriba a abajo (en sentido occidental), y eso afecta tanto al orden de las viñetas como al de los bocadillos. Les recomendé enseñar sus primeras tiras a gente de confianza para que les dijeran si se entendían bien; a veces, nos creemos que lo que hemos dibujado está perfecto y realmente no hay por dónde cogerlo (véase, por ejemplo, uno de los primeros capítulos de Otoño que hice, el flashback con café de Isa y Nacho). Hay algunos trucos para ayudar a leer correctamente las viñetas: el más obvio serían las flechas o los números (muy obvio, para mi gusto); pero también se pueden conectar las viñetas mediante el dibujo, dirigiendo a los personajes hacia la siguiente viñeta, o con los bocadillos de diálogo.
En todo caso, lo mejor al principio es dibujar tiras que sean fáciles de leer, o sea, en las que el orden de las viñetas no interfiera con el significado de la historia. La composición es otro cantar: lejos de existir ninguna ley, hay mil maneras de componer una página, cada dibujante tiene su sello personal, hay dibujantes que se ciñen a un número fijo de viñetas o una rejilla fija (por ejemplo Sarah Andersen o Jason); pero lo normal es ir variando la composición para adecuarla a lo que se está contando.
Esta chica hace unas tiras cómicas muy cuquis, podéis seguirla en Patreon.
Jason es un dibujante de cómics noruego. Es capaz de dibujar toda una novela gráfica con la misma rejilla. Y sin apenas diálogos. Es un crack. Esta página pertenece a Hey, wait!
Sin embargo, para ir aprendiendo, lo mejor es pensar qué tipo de composición necesitamos para cada escena. Las líneas diagonales crean dinamismo, mientras que las líneas horizontales y verticales dan estabilidad, y si forman una rejilla de viñetas iguales, pueden dar una sensación de rutina o de congelar el tiempo. Podemos hacer que los personajes rompan el marco de las viñetas. Podemos hacer viñetas sin marco. También variamos la composición para que no se canse el espectador, para ir cambiando de ritmo. El tamaño de la página también es importante. No es lo mismo dibujar para un DIN A4 que para un tamaño cuartilla. En mi cómic Otoño, por ejemplo, no puedo hacer más de tres filas en cada página, porque si no, es demasiado pequeño. En cambio, cómics como Mortadelo y Filemón pueden tener tres o cuatro filas de viñetas. En los mangas, por lo general, no hay más de seis viñetas por página (estoy pensando en Ranma); pero en otros cómics podemos encontrar composiciones realmente abigarradas (estoy pensando en la Cebolla Asesina). Sea cual sea la composición que elijamos, tenemos que tener en cuenta el formato en el que vamos a publicar y si se adecúa a la historia.
El ejercicio propuesto fue copiar la composición de una página de un cómic y cambiar los dibujos. El toque de gracia venía ya si eran capaces de dibujar alguna mano en detalle. Por mi parte, dibujé una tira sobre mis manos, utilizando una rejilla de tres por tres y haciendo planos detalle con un narrador en primera persona. Me estoy leyendo Fun home de Alice Bechdel y me está inspirando mogollón :) aquí os dejo la tira.
Creo que, después de esta clase, mis alumnos perdieron un poco el miedo a dibujar manos. :)
Cuarta clase: dibujo de caras, diseño de personajes
Hoy ha tocado dibujar caras, otra de las cosas más difíciles de dibujar. Al igual que con las manos, y bueno, con todo, el secreto está en dibujar muchas, muchas, muchas caras. Y ser un buen observador. El ejercicio que hemos hecho en clase ha consistido en hacernos retratos entre nosotros. Ha sido bastante entretenido, y la verdad es que los retratos han salido más parecidos de lo que esperaba. Para todos aquellos a los que os dé pavor dibujar caras, aquí os dejo mi receta de cinco pasos para dibujar una cara:
1º Encajamos la cara y la cabeza, atendiendo a la forma general. ¿Es una cara ovalada, redonda o cuadrada? Dibujamos el eje de simetría. Tampoco está de más hacer una guía de por dónde va a ir el pelo.
2º Ahora toca analizar a nuestro modelo y fijarnos a qué altura están las cejas, los ojos, la nariz y la boca. En la mayoría de las caras, la distancia de la frente a las cejas, de las cejas a la nariz y de la nariz a la barbilla suele ser la misma, pero podemos encontrar caras muy interesantes con otras proporciones. Los niños suelen tener el eje de los ojos más bajo que los adultos. Dicho lo cual: dibujamos los ejes de las cejas, los ojos, la nariz y la boca.
3º Tomamos el resto de medidas pertinentes: en ancho de cada ojo y la distancia entre los ojos (por lo general, entre ojo y ojo cabe otro ojo, a no ser que seas ojijunto o esquimal); el ancho de la nariz y la boca, el ancho de las cejas, las orejas, los labios...
4º Cuando ya lo tenemos todo colocado, vienen los detalles. Es muy importante captar la expresión de la otra persona: por muy bien que hayamos medido, si no sabemos captar su "gesto" característico, nuestro retrato se quedará a medio camino. Los rasgos en los que más nos fijamos son los ojos, la boca y las cejas: si sabes captar la expresión de estas partes, ya tienes medio retrato hecho, lo demás es complementario. Te lo dice una caricaturista profesional.
5º Ah! No te olvides del pelo. Si es que tu modelo tiene. Otros accesorios, pendientes, gafas, pecas, verrugas, pueden cerrar el retrato, si te da tiempo y quieres. Aconsejo tomarse un poco de libertad de trazo en el pelo, para darle más gracia al retrato.
Esto es lo que os decía de los ejes
Mientras lo explicaba, lo he ido marcando sobre una foto y dibujando en la pizarra. Me parece que me ha quedado un poco negro el hombre...
Acto seguido, nos hemos puesto por parejas y nos hemos hecho retratos.
La segunda parte de la clase ha sido más comiquera. Hemos estado mirando este fantástico dibujo de Jaakko Seppälä, en el que ha dibujado a sus personajes favoritos al estilo de sus autores favoritos:
La verdad es que esta tabla es super útil para hablar de estilos de cómic... La tengo colgada de póster en mi habitación :) De un vistazo, se puede ver cómo cada artista caricaturiza o estiliza a su manera las caras, unos tienen los ojos grandes, otros, los tienen pequeños, otros tienen hocico de animalito, otros, son realistas...
El ejercicio que hemos hecho ha consistido en diseñar una cara para un personaje. Hemos utilizado unas tarjetas en las que venían datos de personaje y tenían que ponerles cara. Les he animado a utilizar distintas formas básicas de cara: óvalos, cuadrados, forma de pera, o de cacahuete, forma triangular... Los resultados han sido muy majos! Qué pena que no los puedo mostrar. Para diseñar las caras, hemos usado unas fichas de personaje de un juego llamado CINICUS. Otro día os hablo más de él ;)
Y... bueno! Eso ha sido todo lo que hemos hecho en el primer mes. Como podéis ver, estoy intentando dar unas bases generales de dibujo y narrativa para poder lanzarnos a hacer nuestras propias tiras más adelante. Son clases heterogéneas, algunos van más adelantados que otros en dibujo, pero todos tienen madera para hacer cómics. Les he dicho que lleven una libreta para hacer dibujos en su tiempo libre, que tomen apuntes del natural siempre que puedan. Algunos me traen dibujos o tiras que hacen en casa. Se ve mucho interés. Más adelante nos iremos metiendo en "estilos", pero ahora me parece un poco pronto todavía.
La verdad es que estoy super contenta con este trabajo! Me encanta el cómic, y me encanta enseñar lo que me encanta :) salgo cada jueves de la academia con un subidón de felicidad. Espero que noviembre sea tan bueno como octubre, ahora que ya voy conociendo a mis alumnos, me podré adaptar mejor a lo que necesitan.
